PINTURA: CATHERINE ABEL

 “Creía que el arte no debería ser meramente representativo, sino que debería esforzarse por expresar la espiritualidad y la profundidad de las emociones humanas a través de la abstracción”.

Artista autodidacta, Catherine Abel se dedica a retratar mujeres con un erotismo de otros tiempos. Utilizando diversas técnicas a través del óleo sobre tela, combina diferentes estilos como el art-decó, cubismo, modernismo y postimpresionismo. Esta fusión permite el despliegue de colores, figuras y paisajes que remiten a un pasado siglo XX, cautivando al público con una sensualidad envidiable proveniente de personajes femeninos.

Catherine Abel nació en Australia en 1966, y comenzó su carrera artística al mudarse a París en el año 2000. Su trabajo se ve influenciado por el arte y la historia europea, teniendo como referentes a Pablo Picasso, George Braque, Salvador Dalí, André Lhote y Tamara Lempicka.

Las similitudes entre el estilo de Catherine Abel y Lempicka son indiscutibles, como si el tiempo hubiese querido que fueran contemporáneas. En sus obras, pueden observarse una especie de maqueta arquitectónica, donde las formas geométricas encajan a la perfección, conformando una imagen realista y equilibrada. No obstante, los símbolos remiten a más, hablan, confeccionan un lenguaje sensual y llamativo. Ambas capturan la sexualidad femenina clásica y moderna, seduciendo con mujeres que irradian fuerza y belleza. 

Son proyectos que remiten al art-decó, inminente movimiento que comenzó a gestarse hacia la década de 1910, y alcanzó su máximo esplendor en el período de entreguerras. El art-decó nació en París, a finales de la primera guerra mundial y se extendió hacia otros territorios. Es el arte que se identifica con la “Belle Epoque”, un movimiento inspirado e influenciado por las primeras vanguardias: constructivismo, cubismo, futurismo, art nouveau y el racionalismo de la escuela Bauhaus. Se caracteriza por tener una una estética clásica, simétrica y rectilínea, la geometría es una de las claves de su percepción.

Este estilo domino gran parte del universo estético desde 1925 a 1935, y en diferentes disciplinas: arquitectura, diseño (cartel, tipografía, artes aplicadas, decoración, moda), pintura, escultura, grabado y cinematografía. En esta última, Hollywood fue astuto y perspicaz al tomar al art-decó como símbolo de glamour. Un sentido de lo refinado, elegante y sensual, en consonancia con el espíritu de esos años locos a principio del siglo XX, pretendiendo el avance hacia la modernización técnica y el progreso económico, pero que desembocó en la tragedia de la Segunda Guerra Mundial. 

POESÍA: LA MIRADA FINAL

De todas

las últimas miradas

que hemos ido 

dejando por la vida

sin saber que lo eran

¿cómo será la última, 

la mirada final?

¿Se quedará pegada

a la piel de los ojos?

¿Cuando se seque 

será raíz del llanto?

¿En qué región oscura 

volverá a ser primera?

¿Tendrá fuego en su voz 

si la reconocemos

o será como agua 

si nos llega a traición?

¿Se hundirá el peso 

de su polvo en el aire 

de la nueva mañana

que nosotros ya ciegos 

no veremos?

Morir es responder 

a preguntas vacías

en la primera noche 

sin respuestas.

POESÍA: MADUREZ

De jóvenes fuimos 

casi inmortales

dioses de la guerra 

sin miedo al dolor

al error o a la mácula, 

tal vez si lo prefieres, 

un poco al ridículo.

Fuimos invencibles

respiramos el aire 

puro de los oasis

contaminamos 

nuestros cuerpos

por probar

un poco de todo.

Éramos los hijos 

vigorosos de la prisa

curiosos, investigando 

imprecisos ideales

de los que sabíamos

más el titular 

que su significado,

nada ni nadie 

podía extinguir

esa llama insolente 

en nuestros ojos.

Luego vimos

a algunos de nuestros santos

prosperar y acomodarse,

en vez de aconsejarnos 

qué ruta seguir,

nos recortaron las alas

milímetro a milímetro

hasta dejarnos

sin alternativa a la gravedad.

Traicionamos nuestro futuro

terminamos por reconocer,

rodilla en el suelo

aquello que nuestros padres 

nos advirtieron,

aquello que tanto 

nos jodía escuchar.

De jóvenes nos convencimos 

de ser invulnerables,

ahora somos mucho 

más prudentes

inteligentes, maduros, 

completos, descreídos

todo un desperdicio 

de simples mortales.

Ya es hora de demostrar

que se pueden renovar

aquellas ilusiones

a pesar de tanta

frustración acumulada.

POESÍA: VOLAR

Siempre he volado al revés

bocarriba, con las manos

entrelazadas 

detrás de la cabeza

sobre la cama repasando 

con cuidado los motivos 

que me impulsaban

a convertirme en ave.

Siempre ha sido así, 

sobre este mundo

que me está viendo morir

despacio y en discreto 

planeo en paz.

Siempre he volado 

montado en libros,

esas páginas que creí 

como si fueran infalibles,

también con las historias 

ajenas al hombre,

esas cotidianas 

que nunca se olvidan

como el olor a ese suavizante 

que jamás cambia.

He volado incluso entre 

ese murmullo tímido

allá fuera en la noche

amable y fría

pero siempre 

aguardándome paciente

el tan familiar dolor 

entre la tripa y el pecho

recordándome que debería 

dejar de malgastar

mi tiempo, mi talento, mi rabia

y pienso que debería 

escapar por la ventana

de nuevo, como cuando niño

con tanto brillo en los ojos 

y fuego en el vientre.

Volar hasta el otro lado

del planeta

pero esta vez de verdad.

PINTURA: JACK VETTRIANO

El estilo de Jack Vettriano es figurativo, realista y profundamente narrativo, inspirado en la estética del cine negro clásico y del Hollywood de mediados del siglo XX. La mayoría de sus obras están ambientadas en la década de los años 30. Es un momento en el que el cine negro está en auge: el artista le da su propia interpretación añadiendo un giro seductor y perturbador.

Sus pinturas hablan de la soledad que se une, de pasiones incontrolables entre hombres con esmoquin fumando puros y femme fatales vestidas solo con ligas y corsetes. Playas, restaurantes, habitaciones de hotel donde ocurren historias de sexo y seducción, más o menos íntimas. Una paleta de colores cálidos enmarca fragmentos de situaciones que hacen un guiño ante el adulterio y la perversión. Un mundo altamente cinematográfico que narra vidas que se cruzan, a veces durante una sola noche, como en un fotograma de una película con Humphrey Bogart.

Características principales de su obra:

Atmósfera de cine y misterio y estética film noir: Sus cuadros funcionan como fotogramas congelados de una película que no existe. El espectador ve una escena y debe adivinar qué pasó antes o qué pasará después. La composición evoca una atmósfera cinematográfica y nostálgica del siglo XX, marcada por la elegancia clásica en la vestimenta de los personajes.

Temas recurrentes: La noche, el erotismo, la sensualidad, la melancolía, el romance y las relaciones ambiguas, a veces con un toque de tensión o peligro.

Personajes elegantes: Sus protagonistas suelen ser hombres con trajes impecables y mujeres con vestidos sofisticados, casi siempre en tránsito, esperando o bailando.

Uso de la luz: Destaca por sus fuertes contrastes lumínicos, que ayudan a dramatizar las escenas y a construir escenarios llenos de nostalgia y glamour. Destaca el uso de tonalidades intensas y románticas, donde los fondos de paredes rojas o carmín realzan el contraste con la ropa formal de las figuras.

POESÍA: CONSEJOS MÉDICOS

Tómese la vida

relativamente

cada ocho horas,

rehuya las tempestades.

No deje de realizar 

ejercicios espirituales

y de confrontación de ideas.

Descarte de su dieta diaria

los pensamientos grasos.

No se fíe de las 

apariencias propias

aunque se presenten

con discursos elaborados,

no le ponga velas a nadie

porque le diga lo que usted

quiera escuchar.

Y pida cita a ciegas

para la próxima consulta.

Si todo va bien,

volvemos a vernos

dentro de un tiempo,

de aquí a la Eternidad.

POESÍA: POR ELLOS

No saben

escribir con tinta:

lo hacen con huellas

sobre la arena,

con alas

contra el cielo,

con patas marcando

caminos en la tierra,

con silencios que nosotros

aún no aprendimos

a escuchar.

Esto es un intento

de hablar en su nombre,

espero que me perdonen

el atrevimiento.

Son los que estaban

antes de nuestras ciudades,

de nuestra manera

de entender la civilización,

de nuestras fronteras,

antes de que el humano

llamara recurso

a todo aquello

que alguna vez respiró

y que utiliza 

en beneficio propio.

Son los que vieron nacen

nuestros primeros fuegos,

los que nos acompañaron

en nuestros primeros

pasos erguidos.

Los que nos enseñaron

con su ejemplo

que un individuo no es nada

sin su colectivo,

que la vida no necesita

de conquistas o dominio

para tener un valor.

Son el perro que esperó

una mano amiga 

durante años,

el gato que aprendió

a confiar de nuevo

después de un abandono,

el caballo que sintió

el latir de un corazón

cabalgando sobre su lomo,

el pájaro que canta

aunque nadie prometa

escucharle.

Son las ballenas

que cruzan océanos

llevando con ellas

canciones que existían

antes de que nosotros

inventáramos las canciones,

son los árboles y el plancton

que respiran para mantener

la vida en el planeta,

son los mares y los ríos

que seguramente 

no entienden

por qué terminan siendo

depositarios 

de nuestra basura.

Son también

los que nacieron

para desaparecer 

como especie,

los que conocieron la luz

apenas unos instantes

antes de ser encerrados

en una jaula,

los que fueron separados

de su madres

cuando todavia

necesitaban su calor,

los que existieron

sin conocer jamás

lo que es la libertad,

los que entregaron

sus cuerpos 

para la diversión 

o la ciencia humana

sin que nadie considerara

sus sufrimientos.

Y no nos odian,

ese es un sentimiento

exclusivamente humano.

Pero sí conocen

el agradecimiento:

Recuerdan la mano

que les salvó,

la voz que les llamó

por sus nombres,

la mano que acarició

sus lomos.

Y saben de las cosass

importantes:

cuando se intuye el peligro

hay que buscar refugio,

cuando se ama,

hay que unirse a quien

nos hace bien.

Seguro que no esperan

que seamos perfectos,

pero al menos deberíamos

reconocer que bajo

cualquier piel hay un latido,

que son alguien 

por si mismos

y no solo comida,

entretenimiento o mercancía.

Que merecen vivir

y que comprendamos

que para salvar La Tierra

primero debe ser respetada.

PINTURA: CARLOS ALONSO

El 10 de octubre de 1967 unos veinte periodistas y cuatro fotógrafos viajaron a bordo de un avión de la Fuerza Aérea Boliviana hacia Vallegrande para dar testimonio público de la muerte de Ernesto Che Guevara. Pocos días después, la fotografía del cadáver, rodeado por militares, exhibido sobre la pileta de cemento del lavadero del hospital San Juan de Malta, se reprodujo en la prensa mundial. Los negativos fueron comprados por la agencia Reuters a un fotógrafo boliviano cuya identidad se mantuvo desconocida por treinta años, hasta que la investigación del artista argentino Leandro Katz repuso su nombre. Katz dio a conocer detalles de esta imagen y de otro centenar de fotos de ese mismo día.

 La fotografía hecha pública para corroborar la muerte del líder guerrillero logró un potencial político inaudito. Por eso, no sólo a la luz de su valor informativo y documental específico, ha sido esencial al momento de pensar el poder de las imágenes, su eficacia para transmitir determinados sentidos y, también, su versatilidad y disponibilidad para conducir ideas. 

John Berger fue el primero en señalar, días después de la muerte del Che, la semejanza formal de esta foto con la pintura de Rembrandt La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632). La similitud en la disposición del cadáver y en el número, ubicación y expresión de los hombres presentes desvela, argumenta Berger, que ambas imágenes albergan la misma función de exponer y examinar un cuerpo muerto para dar un ejemplo: medicinal, en un caso, de advertencia política, en el otro. También el Cristo muerto de Andrea Mantegna (ca. 1490) es puesto en relación con este otro hombre sacrificado.

La serie “Lección de anatomía” (1969-1970) del pintor argentino Carlos Alonso es una obra crítica y de denuncia que recrea la famosa pintura de Rembrandt, tomando como base la fotografía del cadáver del Che Guevara. La obra, censurada en su momento, simboliza la violencia política, el vejamen del cuerpo y el avance imperial en América Latina.